martes, 28 de abril de 2015

Valeria André, la humorista estrella del stand up argentino.

Valeria André es actriz y comediante. Se formó en la Escuela de Alejandra Boero, pasando luego por las aulas de algunos de los mejores profesores de Argentina, como Lito Cruz y Daniel Casablanca.  En teatro actuó y dirigió espectáculos como “Fiesteras”, “Conchudas a mucha honra”;  y “Una mina que no acabó”; seleccionados para el Festival de Humor de Buenos Airess.  Actualmente realiza cuatro espectáculos en el Paseo La Plaza, entre los que se destacan “Fiesteras” y “La guerra de los sexos”.


¿Cómo definiría a Valeria André como humorista y en base a qué crea sus obras?
Una de las tareas más difíciles: la autodefinición. Creo que soy una humorista muy enérgica en escena, me importa mucho que es lo que el chiste está transmitiendo, las ideas que hay detrás. Y en cuanto a la forma de comunicarlas siempre me resulta más placentera cuanto más teatral es. Mis espectáculos tienen que ver con cosas que justamente creo interesantes y hasta me siento demandada a compartir, temas de los que me parece importante hablar, reír y reflexionar.

¿En qué cosas encuentra el texto para sus monólogos y cuánto saca de sus vivencias personales?
Saco mucho de mis vivencias, justamente de ellas y de las cosas que me cuentan o viven amigos, alumnos, el público mismo: de ahí  tomo el material, la anécdota para luego sí sumergirme en los libros y la investigación más teórica de los temas que creo que estas anécdotas o vivencias cotidianas están queriendo traer a la luz.

Está con cuatro obras en cartel… ¿Qué le genera cada una y cuáles son sus respectivas gratificaciones?
Son muy distintas las experiencias en cada show, porque se gestaron y tienen un proceso y un formato muy diferentes. “Conchudas a mucha honra” con Silvina Connor  hace cinco año que lo hacemos y nos encanta porque el tiempo nos ha ido ayudando como al buen vino y eso se nota en el escenario.
“Una mina que no acabó”, mi unipersonal está en su cuarto año en cartel y me da muchas satisfacciones porque es un tema que a le gente le llega, incluso hay gente que la vio tres veces y sigue viniendo. Es un esfuerzo grande y le pongo mucha “garra” (una hora de monólogo y personajes es fuerte para cualquier artista) pero es un lujo y un placer tener un escenario y público durante una hora para jugar con ellos a lo que más me gusta: hacerlos reír.
“Fiesteras” es un show que estrenamos el año pasado con dos de mis mejores amigas, Matilde Dal Corso y Dani Covelo, es un show que tiene mucho trabajo antes, durante y después del estreno: seguimos ensayando, cambiando vestuarios, tratando de evolucionar. Es la primera vez, además que tuve la idea, el concepto del show, convoqué a la gente, lo escribí y lo gestamos juntas con mucha alegría. ¡“Fiesteras” es una Fiesta! Y los chicos que trabajan en el teatro todavía nos preguntan qué le hacemos a la gente porque salen excitados y contentos luego de ver el show.
“La guerra de los sexos” que estrenamos la semana pasada con Dani Covelo, Ariel Davila y Sebastián Succa es un show muy distinto al resto (sobre todo porque hay varones).

Es tu última creación… Descríbame un poco la obra y qué roles cumplen cada uno de sus protagonistas...
Qué es “La guerra de los sexos” tiene un formato muy original de Stand Up e Impro, somos cuatro profesionales y nos interesa hacer un show de alta calidad. En el escenario “competimos” los hombres y las mujeres en diferentes rounds de Impro y Stand Up y el público elige a los ganadores. Estamos felices con el estreno y con ganas de seguir creciendo.

¿Cómo fue que se reunieron los cuatro humoristas y por qué surgió el show?
Tenía ganas de hacer un show distinto a los que estaba haciendo, seguir creciendo; siempre le busco algo diferente a lo próximo en que me sumerjo, en este caso sería la Improvisación. Con Dani Covelo estamos trabajando juntas en “Fiesteras” y conocía a Ariel de cruzarnos en los escenarios del Stand Up. Le propuse la idea, él convocó a Sebastián Succa y todos estamos muy encantados de trabajar juntos y sumar a este proyecto que nos tiene felices.

¿Cómo viene su 2015, qué otros proyectos tiene en mente?
Tengo ganas de desarrollar otras facetas: cine, publicidad, tele. Me encantan algunas de las ficciones  que se están haciendo y tengo ideas para generar mis propios proyectos como así también me encantaría trabajar con la gente talentosa que ya está generando cosas muy buenas. Hacia allá vamos. ¡Siempre ampliando y con ganas de más!

“La guerra de los sexos” se presenta todos los miércoles a las 21hs., en la Sala John Lennon, The Cavern, Paseo La Plaza, Av. Corrientes 1660, C.A.B.A., Argentina. Reservas: 5236-3000 Plateanet. Valor: $100.


Por Ignacio Ballesteros – Artistas del Off - @ArtistasDelOff






domingo, 19 de abril de 2015

Agustín Chenaut, director de "Sueño de una noche de verano"

Se interesa por las artes dramáticas desde su adolescencia, momento desde el cual comienza un camino de formación artística que lo conduce a distintos maestros, tanto en el marco institucional como fuera de él. En teatro, se formó además con Nahuel Cano y Marcelo Savignone en Estudio Belisario, investigando en este último los caminos del Bufón, El actor y la máscara, Melodrama y la Máscara Neutra. Actualmente dirige junto a Mariana Moschetto y actúa en su primer proyecto producido y gestado en "Espacio Teatral El Foco", Sueño de una Noche de Verano.

-Sos el director y actor de la versión de Shakespeare “Sueño de una noche de verano”. ¿Cómo se generó la idea?
En principio, podría decir que  encarar “Sueño…” como material es producto de un impulso en común más que de una idea. Con Mariana, a lo largo de nuestro camino juntos hemos ido eligiendo y desarrollando cada material atendiendo siempre a nuestra necesidad de entrar en zonas de conflicto. Creo que hacer Shakespeare, en principio me representaba un enorme desafio. La idea empezó a circular en charlas, en momentos y de pronto fue creciendo como una necesidad pura y concreta. La necesidad de hacer el intento de llevar este autor en la sangre un rato, de ponerlo en escena, de re-descubrirlo ( a nuestra manera) y entregarle al público esa mirada, de ver si somos capaces de hacerlo y en última instancia qué puede dejarnos todo esto en el camino.  Tanto para el actor o el director, este autor aparece con todo su mito, su historia, su historial, y sencillamente, se hace “monstruosamente irresistible”.

-¿Por qué codirigirla junto a Mariana Moschetto?
-Codirigir con Mariana es un acto de sensatez y confianza absolutas. Hace muchos años que trabajamos juntos y de alguna manera fuimos encontrando esa manera de comunicarse a la hora de hacer teatro que nos conecta, nos complementa, nos enfoca. Somos muy diferentes, y por lo tanto creo que ambos aportamos constantemente al trabajo de otro, y lo que es más importante, podemos trasladarlo al trabajo que se está desarrollando en escena. Además, la sensación de soledad  no se hace tan profunda…

-¿Qué te generó leer semejante obra?
-Hablar sobre la genialidad literaria de Shakespeare sería demasiado redundante. Ahora bien, a medida que leía “Sueño de una noche de Verano” puedo decir que lo primero que capturó mi interés fueron los múltiples mundos que se abrían en la historia y a su vez la mirada particular y puntual que cada uno de estos ofrecía sobre lo que nosotros creemos que es el tema central de la obra: el amor. Una vez más al leerlo surgían esas mismas preguntas e inquietudes que luego me acompañan a la hora de iniciar la acción. Había textos que se clavaban en el cuerpo a medida que me adentraba en la obra y que se transformaban como decía en la necesidad de ponerlos en el espacio, de darles una forma física, de dejarlos surgir y volar libres por el espacio.

-¿Qué le cambiaron para poder sorprender con Shakespeare hoy?
-La verdad es que creo que sostenemos el espíritu general de “Sueño…”. Hemos hecho el trabajo de recortar textos, algunos se han ido, otros se han quedado, a otros los hemos “profanado”, pero de alguna manera todos están presentes, enunciados o no, eso es otro tema. No sé si podemos decir que hay algo “novedoso” en escena.  Preferiría que eso lo juzgue el espectador (y de paso los invito a venir al teatro). Sí puedo decir que nos sentimos muy orgullosos de atrevernos a no utilizar ningún tipo de escenografía y de centrar toda la atención en el trabajo que pueden desarrollar los cuerpos, la utilización del espacio, los desplazamientos, el uso de la voz, la iluminación, la música. Nos despojamos de todo aquello que pueda condicionar aún más a un público ya condicionado por la mera idea de sentarse a ver “un Shakespeare” y nos exponemos con nuestros cuerpos directamente y sin distracciones.

-¿Por qué Shakespeare y no un Bertolt Brecht? Por poner un ejemplo…
-Shakespeare, creo, será siempre contemporáneo en la medida en que logremos desmenuzar al máximo y comprenderlo “sensorial y sensitivamente” y alejarnos un poco de la forma a la que a veces ha quedado reducido. Sus temas son universales. Siempre se renuevan. Miren el amor hoy en día. Las formas (o deformaciones) cambian pero siguen ahí vigentes en su esencia. Shakespeare hoy es una necesidad, para mí  de buscar en el pasado una sabiduría, una marca, algún tipo de clarividencia que nos permita conectar mejor con el presente. Eso es Shakespeare para mí.

-En Alternativa teatral figuran varias obras en tu haber… ¿Como director qué intentás proponer y cuál sería tu sello distintivo?
Como director en primera instancia trato de proponer una dinámica de trabajo que nos permita a todos, en algún momento, dar con alguna “cuestión medular” del material, ir desenterrándolo de a poco. Me interesa mucho, antes de abordar cualquier tipo de estructura, que podamos entrenarnos físicamente, que podamos improvisar libremente y darnos el tiempo y el lugar para avanzar por la periferia. Aun así el método no existe y las maneras van cambiando dependiendo del grupo que conforme el trabajo. Una vez que se ha jugado lo suficiente, que se han generado los climas, una vez que la obra se hace presente y nos exige nuestra dedicación directa, en ese momento trato de que todos nos sumerjamos de lleno en la estructura. A partir de ahí el trabajo debe tornarse más preciso pero trato de no perder de vista jamás la libertad y la intuición que ganamos en la primera etapa y yo trato de estar atento a las energías que pueden llegar a manifestarse en escena. En cuanto a mi sello distintivo, difícil pregunta. Supongo que por el  momento podría decirse que la síntesis en escenografía, el despojo o la ausencia de elementos es algo que parece manifestarse recurrentemente. Aun así no siento que sea algo definitivo ni permanente. También podría señalar una energía latente, viva, activa, frágil pero a la vez poderosa que trato se renueve en cada puesta y que esté en constante comunión con el espectador sin ningún tipo de condescendencia. Aun queda mucho y como decía, las formas van cambiando…

-¿Cómo fue la elección del elenco, para que protagonicen “Sueño de una noche de verano”?
-La elección del elenco resultó ser algo bastante espontáneo. Muchos de quienes hoy integran el elenco en algún momento se atravesaron en nuestro camino previamente. Algunos habían tomado clases con nosotros, otros vienen trabajando con Apuroteatro desde el origen, como Antonela (Moschetto) o Santiago (Montevidoni), otros nos acompañaron siempre y confiaron en nuestra guía desde el principio.  La verdad es que es un elenco conformado por personas en las que tanto Mariana como yo creemos profundamente en el potencial que tienen y que por algún motivo u otro nos han llamado la atención. A su vez, creo que ellos nos han elegido a nosotros lo que nos insta a estar a la altura de las circunstancias. Lo que me encanta de este grupo es que cada uno tiene un origen diferente. Es un equipo de trabajo con las más diversas miradas, opiniones, realidades y pensamientos. Todos acordamos en lo mismo: “Sueño…” y nuestra “pluralidad” supongo es la que permite matizar el trabajo. Una última cosa, este es un grupo de gente que trabaja, se embarra hasta el cuello, aun cuando no saben en lo que se están metiendo ni hacia donde van a llegar son capaces de lanzarse de cabeza en la incertidumbre. Esas bases, que tanto Mariana como yo, admiramos, fueron las que quisimos estuvieran en cada uno de aquellos que conforman este elenco.  Y aquí están cada uno de ellos con su aporte invaluable a la puesta en escena. Excelente calidad humana. Todos somos los artesanos de “Sueño de una noche de Verano”.

-¿Cómo se maneja a un grupo de teatro alternativo y con qué se los ilusiona?
-Manejar a un grupo de teatro alternativo es muy complejo. Los individuos son muy complejos naturalmente. Así que tratamos de manejar, o más bien coordinar al grupo concentrándonos en el trabajo, en lo que tenemos por delante y dándole a eso una entidad y una preponderancia absolutas. La obra es lo más importante. En el medio, luego uno no puede evitar armar lazos afectivos con los integrantes de un grupo de teatro, así que al final, todos tenemos esa complicidad y afecto que nos ha dejado el trabajo y las horas compartidas. Pero lo más importante, más allá de cualquiera de nosotros, es la obra. Y todos tienen eso en claro cuando inician la búsqueda. La propuesta es bien concreta: “vamos a lanzarnos al vacío con este material, ¿nos acompañan?”  Y ahí surgen esos valientes que te acompañan en el camino. Entonces, nuestra propuesta es básica, simple: buscamos. Les proponemos una búsqueda un tanto a ciegas que creemos nos va a conducir a buen puerto. En definitiva proponemos en primera instancia una experiencia en el hacer y si sacamos algo a cambio eso será maravilloso. Las gratificaciones, si estamos todos conectados con el material, son constantes. En principio desde lo intangible, la de poder atreverse y de a poco ir avanzando en el desafío, la gratificación que produce transgredir los propios límites, la de superar los obstáculos (miles en el teatro alternativo). La primer gratificación material, concreta, es la del estreno, porque hemos llegado a esa instancia y nos lo probamos a nosotros mismos. Luego vienen esas otras que van cayendo: ver una sala ocupada con un público que va a acompañarnos durante casi dos horas, las devoluciones espontáneas. Si llegamos a alguno de los espectadores, si hemos logrado esa comprensión profunda que se da cuando el hecho teatral se completa con el otro, entonces ahí estamos realmente “hechos”.  En cuanto a lo económico podría decirse que queda un tanto relegado detrás de lo artístico. Pero tampoco seamos ingenuos, si después de una función se ha reconocido nuestra labor desde este punto nadie se niega o mira para el costado. Por el contrario, es lo que nos permitirá subsistir en este ambiente.
-¿Qué es el grupo Apuro Teatro?
-Apuroteatro surgió en su momento cuando con Mariana nos dimos cuenta de que lo único que queríamos hacer e resto de nuestras vidas era dedicarnos plenamente al teatro. Desde el principio hasta hoy fuimos atravesando experiencias, probando, haciendo, intentando, equivocándonos, cada tanto acertando. Hoy Apuroteatro es un grupo que se dedica a la investigación, a la búsqueda constante y viaja siempre con la intención de afrontar los desafíos que se nos presenten en el mundo del arte. Hoy nuestra mirada, nuestro hacer, se enriquece con estos intérpretes que se suben cada Sábado a meterle cuerpo a Shakespeare. Todos ellos, nosotros, somos apuroteatro. El teatro a nuestro entender a veces puede ser exageradamente “exclusivo”. Nosotros creemos que cualquiera puede formarse, desarrollarse y dedicar su vida a las artes escénicas. Siempre y cuando entienda que se trata de una disciplina y que nuestro trabajo nunca puede considerarse “acabado” . Para resumir hay etapas en las que apuroteatro tiene una forma, y cuando lo necesitamos y se manifiesta, la guardamos en nuestro baúl y vamos en la búsqueda de otra…como el teatro…mutando, siempre en movimiento.

-¿Cómo viene el 2015 para Agustín Chenaut  y qué otros proyectos hay en mente?
Este es un año con muchísimas proyecciones. Por un lado está “Sueño…”, una obra que aun está en pañales y que además queremos hacer circular fuera de la ciudad. Pero también estamos muy contentos, ya que con Mariana estamos abriendo nuestro propio espacio de investigación y formación en artes escénicas. Nuestro teatro independiente, “El Foco, espacio teatral independiente”; ubicado en Floresta, frente al ex centro clandestino de detención “El Olimpo”. También estamos encarando un proyecto en el cual Mariana y yo actuamos, con dramaturgia propia (Marian) y el cual esperamos poder probar frente a público hacia fines de este año. Asimismo estoy comenzando a ensayar para hacer reemplazos en una obra del teatro infantil “Quisiera ser yo”. Un proyecto que me entusiasma mucho por su naturaleza y la calidad del material que se está trabajando y el grupo que lo está desarrollando.  En resumen: un año apuroteatro!

“Sueño de una noche de verano" se presenta todos los sábados a las 18hs., en el Teatro El Método Kairós, El Salvador 4530, C.A.B.A. – Argentina. Reservas: 4831-9663. Costo entrada: $100. Más info: apuroteatro@gmail.com.

Por Ignacio Ballesteros – Artistas del Off - @ArtistasDelOff












miércoles, 8 de abril de 2015

Miguel Mateos, años de escenarios pisados y actuados.

La actuación tiene muchas formas y todas son verdaderas. Y la que realiza Miguel Mateos, todos los jueves en el teatro La Comedia, es igual de válida que la que hace Antonio Grimau en “Piel de judas” junto a la diva Susana Giménez y la que hace un médico actor para sus pacientes en algún hospital perdido del país. Cada una tiene su nivel de gratificación y su cuota de sacrificio. En esta entrevista, un poco de este actor que hace de la profesión su alter ego.

-¿Qué te llevó a que te dediques al teatro?
-Desde muy pequeño, siempre quise actuar, yo le decía a mamá: “quiero estar ahí en la cajita (la cajita era el televisor)”. Y debo confesar que no tengo referentes, nunca quise ser como alguien en particular. Siempre quise ser yo. Pero, admiro a mucha gente, Héctor Alterio, Alfredo Alcón, Liliana Pécora, Maria Ibarreta, Edda Diaz, Jorge Luz, Norma Aleandro, en fin, muchos. Adoro profundamente a Barbra Streisand; una gran antidiva.

-¿Tenés tu trabajo formal y el teatro es un anexo?
-Trabajo en farmacia y estoy muy a gusto después de tantos años. El teatro no es un anexo para mí, es mi todo, es el arte más hermoso y el más completo. Comencé a los 14 años en el viejo Lavardén con profesores maravillosos, recuerdo a Mane Bernardo y Ariel Bufano entre otros, era muy completo y teníamos una disciplina. Luego en el Conservatorio de Arte Dramático de la calle French. El más grato recuerdo y todo lo que aprendí se lo debo a una gran actriz que fue mi profesora Flora Steimberg, con una enorme capacidad para transmitir el arte de la actuación. A veces creo disociar mi vida con el teatro, pero me gusta mucho divertir a la gente, creo que llevo el actor todo el tiempo.

-¿Tus inicios en las tablas?
-Debuté en el año 80 haciendo infantiles y luego vino una gran oportunidad con “Revolución Mental” en el 84 con Guido Süller y Jessica Schultz. Luego “Las Cuatro Viudas”, “Ultima Escala”, “Adorado Chaplin”, “Torta de Mandioca (hermosa obra muy almodovariana)”, “Cuerpos Desnudos”, “Familia Disfuncional”, “Momentos para Levantarse por la Mañana”, “Pedido de Mano” de Chejov, “Contra la Rutina”, “Hubiéramos hecho Hamlet”, en fin… muchas. Lo digo sin ninguna pedantería y con orgullo, siempre fui protagonista desde que debuté en el infantil o siempre he tenido papeles importantes y eso suma a la hora de la experiencia. Si bien soy actor dramático, me defino como comediante, amo la comedia, la parodia y el grotesco.

-¿Quiénes fueron los artistas que más influyeron en tus inicios?
-Podría darte mil nombres, Pepe Biondi, Marlon Brando, Chaplin, Juan Pablo Geretto, Juan Carlos Puppo, y muchos etcéteras más.

-¿Algún recuerdo en particular?
-Recuerdo con cariño dos trabajos en base a improvisaciones con Daniel Loisi, “Lo Mejor de lo Peor” I y II, fueron hermosas experiencias. Y recuerdo con todo afecto y cariño a todos mis compañeros de los cuales aun hoy somos amigos.

-¿Cómo llegaste a “Vidrio” y cómo llegaste a crear a esa abuela política y vehemente?
-A “Vidrio” me convoca este maravilloso y talentoso autor, director y actor que es Javier Delgado. Luego de verme actuar en “Pedido de Mano” de Chejov. Cuando me ofreció el libro quedé fascinado con el texto, una obra diferente para mí, un absurdo comedia negra policial, es difícil encasillar la obra, bordea varios géneros. Si bien soy un actor con técnica también tengo mucha intuición, me manejo mucho con la intuición y la observación. Me entrego a los requerimientos del director e improviso. Javier Delgado es un ser muy exquisito, sabe llevarte y sacar lo mejor y lo peor que tenemos los actores como seres humanos. La abuela fue creada a partir de directivas y de la observación de la sociedad actual, de la alienación de los habitantes de Buenos Aires. La creación nace del caos y a partir de ahí se va perfilando el personaje.

-Hablemos de “Vidrio”…
-Aclaro que no me considero un protagonista, las protagonistas son Mariel Nicolosi y Giuliana Alberione, muy buenas intérpretes. Considero que mi personaje es un personaje de mucho peso y potencia que viene a romper estructuras y a desnudar un montón de realidades o situaciones que se quieren ocultar. Es una obra fuerte, oscura que se va transparentado a medida que van transcurriendo las escenas, sacando velos. Tres mujeres quebradas por el desamor, la intolerancia, el dolor de ya no ser y no poder volver atrás. No hay retornos. Tres mujeres amontonadas pero de difícil convivencia. No hay salvación posible. La escena más terrible es el quiebre de la abuela, la perturbación más visceral sacado a la luz. El logro más importante de Javier Delgado sobre mi actuación, las técnicas de Delgado son brillantes, libertad total pero sabe muy bien marcarte la cancha. Además es un ser maravilloso y contenedor.

-Hablame de un tal Miguel Mateos.
-Tengo una linda vida y soy muy agradecido. Soy un luchador, no bajo los brazos. No soy de tener muchos proyectos, me gusta vivir al dia. ¿Deseos o algo en mente? Un unipersonal, tal vez un tributo a Jorge Luz.

“Vidrio” se presenta Todos los jueves a las 21hs., en el teatro La Comedia, Rodríguez Pena 1062, Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina. Reservas: 4815-5665 / javierteatral@hotmail.com. Costo entrada: $130 (jubilados y estudiantes $100). 

Por Ignacio Ballesteros – Artistas del Off - @ArtistasDelOff







lunes, 6 de abril de 2015

Facundo Suárez, historia y ficción para darle vida a Reina, una nueva líder

Es Licenciado en Actuación en la carrera de Arte Dramático de la Universidad Nacional de Arte (UNA). Actor y docente de teatro se formó con Analía Couceyro, Guillermo Cacace, Eugenio Soto, Julieta de Simone y Ramiro Lehkuniec. Entre sus muchos trabajos,  desde el 2013 y con el auspicio del Ministerio de Cultura de San Luis lleva adelante, junto al bailarín Gerardo Marturano el proyecto “Descentralizando, yendo y uniendo” dando clases y seminarios de Danza Contemporánea y Teatro en distintos centros de formación artística del país. Actualmente se desempeña como director del espectáculo Reina, una nueva líder en el teatro No Avestruz con textos de Marcelo Camaño mientras emprende su primer trabajo como director audiovisual a estrenarse en el mes de Noviembre.

-Dirigís “Reina, una nueva líder”, obra escrita por el talentoso dramaturgo televisivo Marcelo Camaño…  ¿Cómo se generó ese vínculo?
-La conexión con Marcelo viene desde hace varios años. Primero en mí gusto personal por sus telenovelas y años más tarde ya como compañeros de trabajo en el ciclo de radioteatros Secretos Argentinos (Radio Nacional AM 870) y El Pacto (América TV) a los cuales me convocó como actor. Poco antes de terminar los radioteatros, es que le planteo la posibilidad de encarar algo juntos, pero en teatro independiente. Que no es un dato menor. Convocar a un autor audiovisual de su envergadura, para que escriba una obra con pibes de 25 años que no tenían un mango para producir y entendiendo todos los avatares de los procesos creativos de artistas del off, era básicamente tirarnos al abismo. Pero ese abismo quedó lejos, porque Marcelo no sólo aceptó la propuesta sino que se puso la camiseta igual que cada uno de nosotros.

-Punto para Marcelo, que habla de su talento y humildad…
-Totalmente. Ya con Marcelo dentro comenzamos a investigar el hecho histórico que queríamos contar: la elección de la Reina Nacional del Trabajo. Un concurso federal que se realizaba todos los primeros de Mayo en la Argentina de Perón desde 1948 a 1955. El tiempo fue pasando y aún faltaba el director. Fue ahí donde abro al grupo mi deseo y asumo la dirección del espectáculo.

-¿Qué te generó leer la obra y qué creíste que podías agregarle tuyo?
-Primero tuvimos las dos escenas iniciales y era como haber leído el trailer de una película. Recuerdo que la sucesión de hechos que acontecían, pedían una velocidad en la lectura que marcó el tratamiento general que quería que tuviese el relato. Qué agregarle mío a la obra fue apareciendo con el tiempo. Pero lo que sí tenía en claro era que quería hacer un gran trabajo visual. Donde los diferentes signos que confluyen en el hecho teatral colaboren con la construcción de dos pilares fundamentales: la época (años 50) y la ciencia ficción. Desde este punto indagué en la artificiosidad del género melodrama, utilizándolo como soporte constitutivo de los años cincuenta y en su conjunción con el género fantástico. Para lograr dicha mixtura la decisión fue trabajar con los textos despojándolos de cualquier mirada realista y comprendiendo que la época, lo político, el peronismo y sus representantes son personajes y situaciones que enmarcan la historia.

-Nada menos que tu primera obra dirigida…
-La obra zigzaguea entre distintos géneros (comedia, melodrama, policial y ciencia ficción) mientras que hace del hecho histórico (el concurso de las reinas), un disparador para construir un mundo altamente ficcional. Desde este lugar, lo que intento proponer es una oscilación constante entre varios puntos que confluyen en la puesta, generando tensión e intriga en esa ambivalencia que se construye entre una y otra cosa. Algunos de estos contrapuntos, son lo discursivo y todo aquello que no se dice. Un adentro cada vez más asfixiante frente a un afuera cada vez más peligroso. La inversión de roles y la toma de poder en los personajes. La mixtura sonora: desde los “noticiosos radiales” hasta la composición creativa de los clímax. Y finalmente lo real y la ficción que dialogan entre lo que construimos y lo que construyeron algunos mitos que rodean al peronismo.

-El difícil arte del teatro independiente…
-El manejo depende de los parámetros que ese mismo grupo establezca. Pero hay algo en lo que siempre hice mucho hincapié: trabajar con profesionalismo, convicción y no ajustarnos a las necesidades que otros nos imponen. Muchas veces pasa que los espectáculos, por ser independientes, deben acomodarse a necesidades que no les son propias sino que son impuestas por externos. Y en esto hablo del cómo poder llevarlos a cabo. Pertenecer a este circuito nos enfrenta a una diversidad de complicaciones. Por eso la decisión fue imponerse a ellas. Frente a los problemas financieros, buscamos alternativas que vayan más allá de lo azaroso que son los subsidios.

-Lo económico muchas veces trunca el arte independiente, alternativo.
-Claro. Por eso parte de la producción fue realizada con Ideame, un sitio web donde tu proyecto se financia a través del crowfunding. Otro de los inconvenientes fue encontrar una sala que acepte la ambiciosa puesta en escena y allí buscamos hasta que No Avestruz (Humboldt 1857) aceptó y siempre se mostró predispuesto a todo. Así, mil cosas que le pasan a todos los proyectos artísticos. Y después claro, llega el estreno y ahí entendés por qué lo hiciste. Nosotros no ganamos un mango, claro está. No hay una gratificación económica, hay ganas de mostrarse… de que nos descubran. Absolutamente todos los que formamos parte de este equipo somos egresados de la UNA (Universidad Nacional de Arte) y poder abrirnos camino es nuestro deseo, pero cabe aclarar que solos no podemos. Por eso necesitamos de los críticos, la prensa y del público en general. Que vengan y evalúen, que apuesten a pibes que se formaron en la educación pública. Pibes que tenemos ganas, tenemos talento y creamos… incansablemente.

-¿Cómo viene el 2015 para Facundo Suárez y qué otros proyectos hay en mente?
-El 2015 viene encendido. En principio haciendo crecer la obra cada día más disfrutando de todo lo que ella nos da. La idea es llegar lo más lejos posible y para eso usaremos todo lo que tengamos a nuestro alcance. En breve comienzo el laboratorio de dirección de la mano de Guillermo Cacace, esto de dirigir me gustó demasiado. Estoy trabajando en la dirección de un proyecto audiovisual. Y ya comenzamos a desglosar un nuevo proyecto con Marcelo… queremos que Reina llegue a otros soportes. Queremos que a la Reina se la vea “grande”. 

“Reina, una nueva líder” se presenta todos los sábados a las 20hs., en Teatro No Avestruz, Humboldt 1857 (Palermo Hollywood), C.A.B.A. - Argentina. Reservas: 4777-6956. Entradas: $100 (descuentos para jubilados y estudiantes $80). Más info: reinasobreras@gmail.com

Para ver el tráiler de “Reina, una nueva líder”, entrar en
https://www.youtube.com/watch?v=Op5SckLr1Wg

Por Ignacio Ballesteros – Artistas del Off - @ArtistasDelOff




domingo, 5 de abril de 2015

Marcelo Silguero, el teatro independiente argentino lleva su nombre

Desde hace algunos años, Marcelo Silguero se convirtió en uno de los referentes del teatro independiente en la acaudalada Avenida Corrientes. Y este 2015 no es la excepción. Aunque en las marquesinas brillen Susana Giménez, Pepe Soriano, Antonio Gasalla, Ricardo Darín y demás tanques de la escena porteña, él apuesta y pone en cartel dos obras: “Esa mala mujer” como autor y director y “La mujer del bígamo” como director y protagonista. En esta ocasión, Artistas del Off, lo entrevista sobre su nueva creación, esta temible mujer, a la cual presenta todos los viernes en el teatro Liberarte.

-Sos el autor y director de “Esa mala mujer”. ¿Cómo apareció esa mujer en tu cabeza y cómo fue el proceso de escritura?
Sí, siempre tuve ganas de escribir sobre la violencia de género, el abuso infantil, y me pareció una buena opción contar esta historia a través de una mujer de bajos recurso que tiene que pasar por eso mismo y convivir con sus recuerdos, de una pasado tormentoso.  Así fue como empezó el proceso creativo de llevar acaba esta propuesta teatral donde quien la vea se sienta identificado de alguna u otra manera. “Esa Mala Mujer” es una historia que refleja la vida cotidiana de una mujer que quiere ser aceptada en un mundo donde a todo y todos se los discrimina.

¿El sello de Marcelo Silguero como director?
Muestro a la vida en sí misma. Lo cotidiano de las personas y su interior borrascoso.

¿Cómo fue la elección del elenco, para que protagonicen “Esa mala mujer”?
Mi amiga actriz y protagonista de la obra Jenny Luciuk, me propuso que escribiera algo para ella. Y le dije, sí.  Luego de seis meses de escritura llegó el momento de la búsqueda del elenco, fui convocando actores de carácter dramático, que dieran con los personajes planteados en esta obra. Tenían que ser intensos, enérgicos y audaces. Creo haberlos conseguido.

Contame sobre “Esa mala mujer”…
Aurora es una mujer de bajos recursos económicos y morales, destrozada por la adversidad y la traición, quien regresa a su humilde hogar al cabo de años de purgar una condena en la cárcel… Hay que conocerla para juzgarla.

¿Cómo se maneja a un grupo de teatro alternativo y qué se les propones?
A los grupos de teatro alternativo, en su mayoría, les interesa más lo artístico que lo económico,  ya que es tan grande la pasión, la entrega y el crecer actoral y artístico; que lo más importante es mostrar un buen producto y entregar cuerpo y alma en cada trabajo.

¿Qué es el grupo Sin Red?
Grupo Sin Red, es un elenco que va cambiando año a año y tirándose desde un trapecio sin red, solo el talento y la entrega hace que el trabajo sea nuestro gran sostén.

¿Lo más y menos de tu trabajo como Artista del Off?
Lo mejor es siempre la elección de los textos, de los actores, el proceso de cada trabajo y el resultado final. Y lo peor siempre es  que las obras tengan poco tiempo en cartel y que no se les de el tiempo que necesitan para madurar y el público pueda disfrutarla en su totalidad.

¿Cómo viene el 2015 para Marcelo Silguero  y qué otros proyectos hay en mente?
Se viene un año intenso  ya que tengo dos obras en cartel, “Esa Mala Mujer” en el teatro Liberarte, y “La mujer del bígamo” en Sala Colette del Paseo La Plaza. Y además preparando un clásico para mitad de año. Me siento placentero y feliz de tener tantos proyectos que van tomando su rumbo.  Disfruto día a día de esta profesión de la cual me formé durante muchos años y que me apasiona.

“Esa mala mujer” se presenta todos los viernes a las 23hs., en el Teatro Liberarte, Av. Corrientes 1555, C.A.B.A., Argentina. Reservas: 4371-1613. Costo entrada: $120 (Descuentos estudiantes y jubilados $100). Más info: esamalamujer2015@gmail.com

“La mujer del bígamo” se presenta todos los sábados a las 19hs., en el Espacio Colette de Paseo La Plaza, Av. Corrientes 1660, C.A.B.A. – Argentina. Reservas: 5236.3000 Plateanet. Costo entrada: $100.

Por Ignacio Ballesteros – Artistas del Off - @ArtistasDelOff